Un “Hamlet” criollo llegó al Teresa Carreño con salsa y coloquialismos

Hamlet de William Shakespeare se presentó en el Teatro Teresa Carreño, de Caracas, con una puesta inédita en Venezuela, en cuanto el formato. Un elenco femenino, una orquesta en vivo, coreografías y coros son parte de una de las obras con más adaptaciones al cine y al teatro, que revive a través de la adaptación y dirección de José Manuel Suárez, en su primera dirección de gran formato.

Para comenzar, entonces, me permito citar al dramaturgo y director teatral argentino Patricio Orozco, quien atribuye la vigencia del Shakespeare a la virtud de poder describir el alma humana como nadie y a su aguda sensibilidad que ha sido tan profunda y poética: “Generación tras generación, no hemos dejado de sentirnos representados en sus textos”.

Hay quienes piensan que es difícil innovar en los clásicos, por el hecho de que han sido versionado en muchas ocasiones. Ejemplo de adaptaciones más recientes donde las chicas han personificado a los varones son el Hamlet más reciente de la directora mexicana Angélica Rogel donde Hamlet es mujer; o la del director español Pedro Martínez donde los personajes masculinos son mujeres y los personajes femeninos son hombres. Sin embargo, lo que hace que el teatro sea mágico es la capacidad de sorprender al espectador. Y eso sí que ha hecho esta versión de Clas Producciones con un elenco femenino que interpreta a personajes masculinos que, a su vez, combina con elementos criollos y música como salsa.

Una puesta ecléctica y llena de elementos

La obra escrita hace más de 400 años sigue y seguirá siendo atemporal por lo que en ella se retrata el duelo, la locura, la traición, la ambición, la política, el drama familiar, la venganza y la duda existencial. En la época que fue escrita las actrices estaban prohibidas y eran varones jóvenes quienes las interpretaban. Shakespeare evidencia cuál era el lugar que les tocaba y Hamlet puede ser un buen ejemplo. Así, hoy en día sigue siendo una pieza que vuelve palpable los conflictos sociales y de poder, los roles y designios culturales esperados. Donde juega la ficción y la realidad, la locura y la razón.

El tema de género plantea uno de los ámbitos más amplios para pensar y cuestionar nuestra propia identidad cultural. Una realidad siempre cambiante, pero que no puede desligarse del pasado ni del presente. Aunque este es el fuerte a nivel de producción y comunicación, es otro el enfoque del Hamlet venezolano. Si bien son mujeres actuando de hombres, estuvo de más el uso de las barbas utilizadas por algunos de los personajes, este elemento no contribuyo para la puesta en escena , ya que tampoco tuvieron una gran modificación en sus tonos de voz.

Esta versión combina el verso original con audaces y expresivas actualizaciones que llenan el escenario de múltiples elementos. Entre estos, el uso de un lenguaje soez en una escena en particular que desencaja en la estructura general de la obra, sintiéndose fuera de contexto. Así como la pelea final donde se evidenció la debilidad que tenían con el manejo de las espadas y la posición de los cuerpos con respecto a la ejecución de los movimientos para alejarse o acercarse. Por otra parte se aprovechó el uso del espacio con un gran despliegue técnico, sacando partido a todos los elementos en escena. Por lo cual, hay una justificación en cada detalle. De esta forma se mantiene viva la acción.

También se produce la ruptura de la cuarta pared a través de la música y el baile sin excederse en esa comunicación con los espectadores. La iluminación destaca como un atributo expresivo importante, marcando perfectamente los tiempos y el espacio. De esta forma, ayuda a que se desenvuelva lo que ocurre en escena. Así como la música que está muy presente en el arreglo sonoro que acompaña e hila la historia. Incluyendo temas de salsa como Lágrimas de Roberto Blades, Marejada Feliz de Roberto Roena y las Tumbas de Bobby Capó, así como también ópera como el Nessun dorma, aria del acto final de la ópera Turandot de Puccini, entre otras, interpretadas por la Orquesta Gran Mariscal de Ayacucho, dirigida por Elisa Vegas. 

“La palabra de Shakespeare nos conecta con la razón y las emociones que nos hace sentir la música y eso nos conecta. Las emociones que me da cada situación de la obra y como hilarlo, es muy de salsa”, ha dicho sobre esto el director, José Manuel Suarez.

En cuanto al vestuario se podría decir que es ecléctico por el uso de trajes modernos con elementos de la época isabelina. La directora Marisol Martínez ha sido la encargada de vestir a los actores: “Utilizamos materiales sustentables, totalmente trabajados con recursos producidos en el país, algunas donaciones del diseñador Hugo Espina y reciclamos mucho material. Las joyas del rey y la reina fueron realizadas por un orfebre e intervenidas para dimensionarlas a la escala de un teatro tan grande como el Teresa Carreño”.

Interpretaciones destacadas

Daniela Alvarado en el papel de Hamlet demuestra una capacidad expresiva vigorosa, con un manejo exquisito de la energía sobre el escenario. También aporta una serenidad, que se rompe con la visceralidad que requiere la propia obra. Muy equilibrada. Luego, Grecia Augusta Rodríguez como Ofelia irrumpe con la fragilidad y la versatilidad de su voz que se une a una buena utilización de su canto lírico. Así, su expresión le permite marcar su identidad como actriz y resuelve su interpretación de una forma excelsa.

Por otro lado, Elba Escobar como Claudio y Nohely Arteaga como Gertrudis mejoran según transcurre la obra. Cumplen perfectamente con su trabajo interpretativo y hay puntos realmente brillantes. Asimismo, Carmen Julia Álvarez como Polonio se mimetiza con su personaje y es un buen reflejo del humor, pero sin perder de vista sus momentos más emocionales. Por último, Stephanie Cardone y Adriana Romero les dan su particular toque a sus personajes, mientras que en el caso de Varinia Arraiz se produce una interpretación muy fluida y certera.

En general, Hamlet es una obra que te deja con más preguntas que respuestas. La complejidad de los vínculos entre padres e hijos, los daños colaterales de un amor destinado al fracaso y la línea delgada entre la cordura y la locura son tan sólo algunos de los temas visibles en esta puesta en escena. Preguntas tan grandes con respuestas tan complejas que sólo el teatro puede plasmar. A esto, Suarez le ha agregado la complejidad de la mimetización con elementos criollos y latinos, un lenguaje popular y una música de pueblo, que sorprende a la vez que confunde.

Lo cierto es que, el arriesgo es digno de aplaudir y reconocer. Llevar a Shakespeare en este formato es un esfuerzo y un trabajo arduo en equipo producido por Clas Producciones y Claudia Salazar. 

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